¿Qué desafíos, si es que hubo alguno, enfrentaste al inicio?

Ojalá pudiera decir que “enfrenté” desafíos en pasado, pero todavía los enfrento. Uno pensaría que, con la evolución de una carrera, los desafíos se disolverían; sin embargo, aportar una perspectiva Latinx al mundo de la danza sigue siendo un reto constante.

Introducir nuestras miradas, filosofías y simbologías no occidentales implica un camino de insistencia, de perseverancia, de literalmente invocar a mis ancestros para que emprendan este recorrido conmigo. Sé que enfrentar estos desafíos no solo abre puertas en mi propio camino, sino también para las futuras generaciones de artistas latinos. Hago parte de un linaje de artistas que están abriendo espacio para nuestras comunidades. Bad Bunny lo ha hecho de manera increíble para los latinos en la música. La danza, lo admitiré en voz baja, todavía va un paso atrás.

Hiciste una transición poderosa de Colombia a Canadá, llegando a bailar con Les Ballets Jazz de Montréal y Ballet BC. ¿Cómo se dio ese recorrido y qué pasos concretos tomaste para acceder a esas oportunidades como joven bailarín proveniente de Colombia?

Mis padres emigraron a Vancouver cuando yo tenía 13 años, así que ya llevaba algunos años viviendo allí. Estas oportunidades de trabajar con estas compañías no llegaron fácilmente; llegaron después de forjar mi propia voz como intérprete y de confiar en lo que yo tenía para ofrecer. Por ejemplo, recuerdo que a los 16 años me dijeron que me movía como “un toro en una cristalería”. En ese momento, fue un comentario devastador para un joven bailarín. Hoy entiendo esa energía como mis raíces, mi fuerza, el fuego ancestral que guía mi práctica.

Debo admitir que incluso dentro de esas compañías me sentía fuera de lugar, como si los valores con los que yo quería crear estuvieran en conflicto con la manera en que se gestionaban las grandes compañías en ese momento. Y ese fue uno de los grandes motores que me llevó a crear mi propia compañía: poner a las personas por encima del oficio.

En 2014 fundaste tu propia compañía de danza, reuniendo a artistas de diversos orígenes. ¿Qué cualidades valoras más en un joven bailarín hoy en día?

Para mí, construir AP&A fue, antes que nada, construir una familia de artistas antes que una compañía. Se trataba de reunir a personas afines que compartieran un sentido de agencia crítica, una reflexión sobre nuestro oficio y el deseo de explorar lugares más profundos dentro de su propia práctica artística. Se trataba menos de “encontrar bailarines” y más de conectar con la persona como artista, entendiendo su pensamiento crítico y sus particularidades humanas. Se trataba de imaginar una compañía que generara las condiciones para el desarrollo de nuestra práctica: un espacio de diversidad por encima de la homogeneidad. Nuestros artistas provienen de Brasil, Líbano, Mayotte, Vietnam, Australia, Italia y de distintos lugares de Norteamérica, incluyendo orígenes afroamericanos, de Primeras Naciones, acadios y canadienses.

Lo que busco en un colaborador e intérprete es, sobre todo, su conexión con su propia voz artística y personal. Su capacidad de pertenecer y de participar en la toma de decisiones en tiempo real. Las obras que creamos son altamente rigurosas y atléticas —la mayoría de mis bailarines entrenan fuerza fuera de la danza— y, al mismo tiempo, profundamente conceptuales. Por eso necesitamos poder dialogar colectivamente, aportar nuestros diversos puntos de vista, proponer, equivocarnos y convivir con la ambigüedad y el no saber. Confiar en que la obra se construye a sí misma en las capas intermedias del proceso.